“川久保玲与中间艺术”展览现场再现了1997年的“裙子遇上身体”川久保玲，模糊艺术和时尚的边界每年，Met 服装部都会为时尚中的艺术和服装艺术提供不同的案例，通常在沉浸式的环境中取得令人印象深刻的成果。此次川久保玲回顾展将这个争论点引入激进地带。正如展览名称“中间艺术”，展厅的中心是一个似是可穿的三维华丽服饰，灵感来源于川久保玲本人对原创性的极致追求。这场展览，将川久保玲放在了艺术与设计、欧洲与亚洲等几种现代主义的最前沿，颠倒风格和性别，融合过去和现在，不断向前推进包括形式、过程和意义的新鲜想法。Met服装部门副主任 Carrie Rebora Barratt 表示，川久保玲用形似雕塑的作品，模糊了艺术和时尚的边界，让我们重新思考时尚在现代文化中的定位。
川久保玲的“蓝色女巫”系列20世纪80年代，在纽约艺术界和其他文化领域，黑色被重新定义，而进行此番变革的最重要的设计师便是川久保玲。她1942年出生于日本，在大学学习美术和美学，但并未像其他自由设计师一般继续进行服装设计的正统培训。 而是如她自己所说的“想要做更多的事情”，她的确做到了。1969年，川久保玲在Comme des Garçons品牌下创立了自己的首个女装设计品牌，叫做“像男孩一般”，此品牌的成衣系列在1975年至1999年期间在东京售卖。1981年，她的品牌在巴黎首次登台亮相，随后便很快出现在了纽约亨利·班德尔公司的一家买手店，到了1983年，她在靠近纽约王子街的伍斯特大街拥有了自己的大型极简风格的店铺，她的衣服带给人振奋的力量和治愈感。这些服装结合了男装、传统日式服装的风格以及玛德琳·薇欧奈(Madeleine Vionnet)和保罗·波烈(Paul Poiret)早期的现代设计，与此同时，女性主义以及由女性创作的可视艺术也在逐渐扩大影响。但这仅是一个开始，过去很少有设计师把衣服推到社会、雕塑，甚至建筑层面的极点，但川久保玲却做到了，她将重点从时尚和女性身体转向艺术和抽象。这一方向最初的标志是克拉斯·欧登伯格(Claes Oldenburg)的一件早期雕塑：用褶皱的棕色纸制成的蛋形球体。
川久保玲2015年推出的“血玫瑰”系列但实际上，川久保玲真正最初的标志出现得更早，即为臭名昭著的“身体遇上裙子”(来自1997年的“裙子遇上身体”收藏展)，这场俗称“颠簸”的收藏展上包含了明亮色系的连衣裙、短裙和夹克，但所有的装饰似乎都存在于错误的地方。虽然这些可见的“错误”影响了行动，但却对身体的平衡、可穿戴性以及抽象感带来了非凡的体验，尤其是当你观看美国摩斯肯宁汉舞团(Merce Cunningham Dance Company)将它们穿作演出服进行1997年舞蹈秀“场景”表演的视频时，这一系列收藏品中被集中展出的十个例子恰巧足以证实这一观点的重要性。
1997年“裙子遇上身体”中的作品。这是纽约大都会博物馆服饰学会自1983年“圣罗兰展”以来第二次展出一位在世的艺术家的作品。无论你川久保玲视为艺术家还是设计师，她都被认定为一流的经理人，具有明确的视野、敏锐的商业意识以及本能的合作意向。“我意识到衣服必须被穿以及被卖给一定数量的人”她在1984年表示，“这是作为画家或雕塑家和服装设计师之间最大的区别。”但在博物馆的展览，也许观众应该忘记衣服本身，当提及“中间艺术”，所有有关面料、实用性和身体的问题便随之变成开放式的了。然而，毫无疑问，令人惊讶的服装，场景的设计以及艺术家自己的野心组合形成的强烈冲击，是对我们这个时代的文化感兴趣的任何人都应该体验到的，首先便是艺术家。
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